Arte fuori dalle Gallerie

Arte fuori dalle GallerieQUEST’anno verranno alla NCMA una serie di progetti di scultura all’aperto, tra cui tre opere in prestito a lungo termine del Hirshhorn Museum e del Sculpture Garden di Washington, D. C.

Ellsworth Kelly, Untitled, 1986, stainless steel, H. 78 x W. 135 1/4 x D. 129 3/4 in.,

Museum Purchase, 1986, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D. C.

I prestiti Hirshhorn sono tre sculture monumentali di tre maestri dell’arte del XX secolo: Joan Miró, George Rickey e Ellsworth Kelly. Installati in vari siti intorno All’edificio ovest—la piazza d’ingresso, il prato davanti e il Giardino Nord—queste opere animano il paesaggio NCMA con una diversità di espressione artistica.

La scultura astratta di Ellsworth Kelly Untitled fa parte della sua serie” rocker”, ideata quando l’artista prese un coperchio di plastica del caffè dalla sua gastronomia locale, ritagliò una sezione piatta, la piegò a metà, e la dondolò avanti e indietro su un tavolo. Untitled gioca anche con profondità e dimensioni, come il bordo arrotondato dell’ellisse contrasta con la planarità della superficie della scultura.Museum Purchase, 1986, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D. C.

Joan Miró, Lunar Bird, 1945, cast 1966-67, bronze, H. 89 3/8 x W. 88 1/2 X D. 58 1/4 in., Gift of Joseph H. Hirshhorn, 1972, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D. C.; Photography by Lee Stalsworth. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden

L’uccello lunare di Joan Miró ricorda antiche sculture votive e riflette l’interesse dell’artista per il cosmo, con il suo volto lunare e le sue braccia che raggiungono il cielo. Una figura del movimento d’arte surrealista dei primi anni del XX secolo, Miró vedeva l’arte come un modo per la mente subconscia di esprimersi.

George Rickey, tre linee rosse, 1966, acciaio inossidabile e vernice con dispositivi idraulici, viti di montaggio, e bretelle, 444 x 51 1/4 in., Gift of the artist through the Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1972, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D. C.

Tre linee rosse durante l’installazione al NCMA

Recentemente installato nella piazza, le tre linee rosse di George Rickey è una scultura cinetica composta da tre braccia appuntite che si muovono con grazia in un arco. Rickey usò cuscinetti a sfera, pendoli, contrappesi, e punti perno per predeterminare il percorso che le braccia della scultura avrebbero preso.

I visitatori scopriranno anche le due sculture di Henry Moore nella collezione NCMA in nuovi luoghi. Grande figura in piedi: taglio coltello è stato ripristinato di fronte alla piscina lineare vicino alla piazza, e grande pezzo mandrino è ora fuori nel Parco del museo nel prato vicino a Mark Di Suvero’s monumental no Fuss.

Altre due interessanti installazioni da guardare: L’installazione interattiva e temporanea di Heather Hart intitolata Southern Oracle: strapperemo il tetto e una nuova scultura commissionata permanente da Seagrove, artista con sede in N. C. Daniel Johnston.Tre linee rosse durante l'installazione al NCMA

Hart’s Southern Oracle è una scultura sul tetto parzialmente sommersa con solo il tetto che sbuca fuori dal terreno. I visitatori saranno in grado di salire in cima al lavoro e avventurarsi all’interno, e sarà il luogo di diversi incontri di comunità questa estate.

Preparazione del sito e installazione di Daniel Johnston Senza titolo Nel Museum Park

L’installazione senza titolo di Johnston dispone di 178 pilastri in ceramica costruiti a mano, a legna, che variano in altezza da diversi pollici a oltre 6 piedi, realizzati in argilla piemontese e installati in una linea retta che gioca contro il paesaggio rotante del Parco Museale.

Entrambi i progetti sono previsti per il 1 ° Maggio.

Di seguito: guarda un video timelapse dell’installazione di tre linee rosse.

 

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La bellezza ardente del malcontento: Un’intervista a Wim Botha

La bellezza ardente del malcontento: Un'intervista a Wim BothaWim Botha: Still Life with Scontent, la prima personale dell’opera dell’artista che sarà presentata in Nord America, si apre al pubblico sabato 13 aprile. In qualità di coautore del catalogo di accompagnamento della mostra, ho avuto l’opportunità di porre a Botha alcune domande sul suo lavoro. Le sue risposte fanno luce su ciò che lo motiva a creare opere d’arte che consistentemente presentano allo spettatore un profondo studio dei contrasti: ogni scultura in questa mostra è contemporaneamente seducente ma sgradevole, sacra ma profana, pesante ma leggera, stabile ma non seducente.

Jennifer Dasal: da dove vengono le tue ispirazioni? Dove stai cercando le tue immagini?

Wim Botha, Prism 13 [Dead Pietà], 2015, pallet in bronzo e in legno, H. 95 1/4 x W. 88 1/5 x D. 49 1/2 in., Per gentile concessione dell’artista e Stevenson, Città Del Capo e Johannesburg, Sud Africa; immagine: (C) 2015 Wim Botha; Fotografia: Mario TodeschiniJennifer Dasal: da dove vengono le tue ispirazioni? Dove stai cercando le tue immagini?

Wim Botha: vorrei poter dire che non è storia dell’arte, perché è noioso solo per riassumerlo, ma io sì. Mi piace molto. Vedo cose nella vita quotidiana, nella fotografia di stampa—questo sbarramento di immagini a cui siamo sottoposti—e dove quelle immagini si intersecano con tropi specifici della storia dell’arte è quando si cristallizza in qualcosa che credo valga la pena fare. Credo fermamente che, anche se stiamo scoprendo una grandezza di cose in questo periodo, Le vere verita ‘ esistono da millenni.

Questo avviene nella mitologia e nella storia dell’arte, queste spiegazioni fondamentali per la nostra vita nell’universo, che non sono incompatibili con le scoperte che stiamo facendo ora. Ciò che mi interessa è dove le nostre vite—e le cose che accadono intorno a noi—si intersecano con quelle idee che sono state raffigurate con successo centinaia di anni fa. Amo quella sensazione di collegare ciò che sta succedendo in questo preciso momento con le cose che sono state discusse per millenni.

Ma fondamentalmente non facciamo cose nuove.

Non siamo fondamentalmente molto diversi dalle persone che vissero cento o cinquecento anni fa—sappiamo solo di più. Ma rispondiamo emotivamente a cose molto simili nella cultura e nel costume. Per esempio, il Laocoön è così importante oggi, forse anche di più, di quanto non sia mai stato. L’idea dei peccati del padre, l’idea di fare la cosa giusta, ma essere dalla parte sbagliata—questo si svolge ogni settimana nei notiziari, non con dei e serpenti marini, ma con l’uomo. E certamente, la pietà si gioca settimana per settimana. Tra questi due e il Leda [e il cigno], che è quasi eterno e accattivante, potrei probabilmente passare il resto della mia carriera a lavorare su quei soggetti.

JD: sembra che ci siano molte dicotomie nel tuo lavoro—tra qualcosa che ti attira, che è molto seducente, e allo stesso tempo ti tiene a distanza. Qualcosa di comprensibile ma strano, bello ma inquietante. E poi si ha il senso di voler creare arte, ma anche sentire che è irrilevante. Le forze in conflitto vivono simultaneamente nello stesso corpo di lavoro.

Ti avvolge dentro e ti spinge via. A volte e ‘ esaltante, ma allo stesso tempo inquietante. Questi sentimenti conflittuali creano uno stato molto emotivo di iper-consapevolezza e una malinconia, triste bellezza.Ma fondamentalmente non facciamo cose nuove.

– Wim Botha —

Wim Botha, Untitled [Bywoner 3], 2014, enciclopedie, legno, e acciaio inossidabile, H. 34 3/8 x W. 19 5/8 x D. 22 1/2 in., 21c Museum Collection; Image: (C) 2014 Wim Botha; Photograph: Mario Todeschini

WB: penso che sia astuto. Ottieni molto di quello che succede nel mio processo di pensiero. La difficolta ‘ e ‘spiegare perche’ e ‘ necessario che funzioni, e onestamente non posso dirlo. Quello che posso dire è che, dopo aver rinunciato ad un approccio molto deterministico al fare oggetti … Io sperimento [facendo] il lavoro in modo che gli altri possano sperimentarlo, vedendolo per la prima volta. Quello che succede è uno strano turbamento emotivo che descrive esattamente quello che stai dicendo. Ti avvolge dentro e ti spinge via. A volte e ‘ esaltante, ma allo stesso tempo inquietante. Questi sentimenti conflittuali creano uno stato molto emotivo di iper-consapevolezza e una malinconia, triste bellezza. Credo che possa essere molto emozionante per le persone guardare.